Koyo Kouoh © PhMirjam Kluka

Koyo Kouoh
La fondazione


Una nuova fondazione, istituita in memoria della curatrice e pensatrice culturale Koyo Kouoh, si propone di preservare ed espandere l'eredità intellettuale, curatoriale e istituzionale da lei costruita in Africa e non solo. Con sede a Basilea, in Svizzera, la Fondazione Koyo Kouoh si pone come piattaforma per le future generazioni di artisti, curatori e operatori culturali, proseguendo l'impegno della curatrice per il pensiero critico, il discorso artistico e le infrastrutture culturali a lungo termine. L'annuncio giunge mentre il mondo dell'arte continua a riflettere sull'influenza duratura di Kouoh, in seguito alla sua nomina a curatrice della 61ª Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia del 2026 , intitolata "In Minor Keys".

Costruire strutture al di là delle mostre
La fondazione sottolinea il ruolo più ampio di Kouoh come costruttrice di istituzioni e stratega culturale. La piattaforma ripercorre il suo percorso da Douala a Dakar, dove nel 2008 ha fondato RAW Material Company, uno spazio dedicato alla ricerca, alla sperimentazione curatoriale, alle residenze e all'apprendimento collettivo al di fuori dei sistemi accademici formali. Descritto come un laboratorio, una scuola e una piattaforma di scambio, RAW è diventato centrale per la convinzione di Kouoh che l'arte e la produzione di conoscenza siano processi inseparabili, radicati nella continuità e nel dialogo.

Tra i progetti messi in evidenza dalla fondazione c'è When We See Us: A Century of Black Figuration in Painting, la mostra di riferimento curata da Kouoh insieme a Tandazani Dhlakama. Presentata per la prima volta allo Zeitz MOCAA di Città del Capo, la mostra ha riunito un secolo di figurazione nera attraverso generazioni e aree geografiche, ponendo in primo piano temi come l'autorappresentazione, l'intimità, la memoria e la bellezza. Nel corso del suo percorso internazionale, che ha toccato città come Basilea, Bruxelles e Stoccolma, la mostra è diventata emblematica della capacità di Kouoh di creare contesti storicamente radicati ma al contempo di risonanza globale.

La fondazione presenta inoltre In Minor Keys, la mostra della Biennale d'Arte di Venezia del 2026, come una continuazione della sua ampia visione curatoriale. Descrivendo la nomina come un "momento decisivo nel più ampio panorama dell'arte contemporanea", la fondazione inquadra la biennale di Kouoh come una rivisitazione di come l'arte contemporanea viene vissuta e discussa attraverso culture e storie diverse.

Arte, cura e strategia culturale
Sulla piattaforma, la celebre affermazione di Kouoh, "Bisogna costruirsi la propria casa e la propria dimora, invece di cercare di entrare nel castello di qualcun altro", emerge come filosofia guida per la direzione futura della fondazione. Attraverso archivi, sostegno istituzionale, pubblicazioni, dibattiti e iniziative future ancora da annunciare, la fondazione si propone di continuare a costruire le strutture di cui, secondo lei, artisti e pensatori hanno bisogno per perdurare nel tempo.



Beverly Buchanan :
Fondamenta emotive
Gabe Beckhurst Feijoo

La pratica di Beverly Buchanan dialoga con storie di custodia, proprietà della terra e vernacoli architettonici del periodo successivo alla Ricostruzione, spesso attraverso il prisma delle tradizioni costruttive afroamericane del Sud degli Stati Uniti. Nata a Fuquay, nella Carolina del Nord, e cresciuta a Orangeburg, nella Carolina del Sud, Buchanan conseguì master in parassitologia e sanità pubblica presso la Columbia University (1968–1969), prima di frequentare corsi di pittura con Norman Lewis all’Art Students League. A New York espose in mostre personali e collettive presso la Truman Gallery e la A.I.R. Gallery, tra le altre, e sviluppò un sistema di produzione ad alta intensità di lavoro che esplorava l’erosione degli spazi interiori. Buchanan si trasferì in Georgia nel 1977; lì trascorse lunghi periodi tra Macon, Atlanta e Athens fino al 2010, quando si trasferì ad Ann Arbor, nel Michigan.

La presentazione di Buchanan alla Biennale Arte 2026 traccia l’orbita della sua pratica artistica, comprendendo disegno, pittura, scultura ed earthworks. L’accento è posto sulla voce dell’artista così come costruita autoriflessivamente nei suoi scritti, appunti di ricerca e viaggi: dai pannelli di testo e immagine, simili a fumetti, di The Artist – A Visual Journey, alla personificazione delle case in Shack Stories (Part 1), a cui la poetessa Alice Lovelace contribuì con versi poetici. "Molti di questi materiali, incluse le 'leggende' dell'artista – il termine da lei usato per brevi testi di accompagnamento che uniscono biografia e invenzione anonimizzante – riflettono l'impegno di Buchanan nel raccogliere le testimonianze delle persone all'interno e ai margini della sua comunità."

Le numerose fotografie di Buchanan di case (nello stile) saddlebag e shotgun, terreni agricoli, compravendite fondiarie e reportage attestano una modalità documentaria; tuttavia, il procedere a zig-zag dell’artista attraverso gli stati del Sud non costituiva un esercizio oggettivo: «Si tratta di “disegnare” con la mia macchina fotografica». Attuando la conservazione della cultura afroamericana come metodo, le sue shack sculture commemorano l’ingegnosità creativa di persone come Mary Lou Furcron, architetta e giardiniera autodidatta; Buchanan descrisse la prima visione della casa di Furcron come «un fulmine improvviso». Questi viaggi furono costantemente formativi: visitando nel 2008 l’ultimo quartiere di residenza della scrittrice e antropologa Zora Neale Hurston, colse colori e chiese; nel Sud della Florida, nello stesso anno, i colori «sorprendenti» delle case sopravvissute agli uragani.[3]

Buchanan non si limitò a un solo materiale. Da legni recuperati o ricevuti in dono, metalli, spatole mediche, fili decorativi e tappi di bottiglia, fino a miscele di mattoni in cemento e calcestruzzo, ogni materiale implicava una storia, un’opportunità estetica e una relatività sociale. Per i suoi Wall Fragments, raccolse “scarti” o macerie provenienti da case del Bronx e di East Orange, nel New Jersey — molte delle quali in stato di abbandono o demolizione — e, a partire da questi frammenti, realizzò tramite calco nuove configurazioni strutturali. "Laddove queste case un tempo erano focolari vissuti, curati e mantenuti, Buchanan ha portato via i resti di una vita passata senza sentimentalismi. Quando le famiglie venivano costrette a sloggiare, gli affitti alle stelle e i costruttori subentravano, Buchanan pensava a un materiale che potesse sia accogliere, sia intervenire concettualmente in questa transizione forzata."



Ma quale storia custodiscono la pietra o il cemento? Il cemento è un materiale dominato da associazioni industriali e moderniste, ma è fondamentalmente un materiale dell’impronta. Il cemento colato assume texture superficiali screziate e imperfezioni, diventando un registro. L’accostamento del Wall Fragment/Ga (Revised Arrangement) di Buchanan, in un numero del 1979 della rivista femminista Heresies, con il testo di Michelle Cliff Against Granite richiama proprio queste associazioni narrative. Il testo di Cliff racconta la storia di una storica che scrive una storia dell’incarcerazione. Questo lavoro viene svolto collettivamente: «Ogni sera al crepuscolo, le donne si riuniscono sotto il tetto di lamiera che ripara la casa delle assemblee: vengono lette le note sul progresso del lavoro della giornata — poi cucinano la cena, parlano e cantano vecchie canzoni il cui suono si diffonde molto lontano».[4]

Le opere in cemento di Buchanan si affidano alle vulnerabilità dinamiche di questo materiale. L’artista comprese che, una volta collocate nei boschi (Ruins and Rituals, Macon, 1979), alghe e muschi avrebbero finito per ricoprirne la superficie; e che l’acqua salata delle paludi soggette alle maree avrebbe filtrato attraverso i punti deboli creati dalle bolle d’aria nel tabby (Marsh Ruins, Brunswick, Georgia, 1981). L’uso del tabby da parte di Buchanan — un calcestruzzo da costruzione mescolato con gusci d’ostrica, acqua, sabbia e cenere — richiama l’economia materiale razzializzata della costa della Georgia e, così facendo, concepisce una coscienza storica della sopravvivenza. Le sue earthworks persistono, si rovinano — per usare un’espressione di Cliff — di fronte agli agenti atmosferici, all’inquinamento e all’intervento umano, ma, attraverso la forza della loro materialità e presenza, resistono anche alla romanticizzazione antebellum del sistema delle piantagioni.

Koyo Kouoh ha articolato le proprie idee per la presentazione di Buchanan alla Biennale Arte 2026 attraverso il linguaggio dei “Shrines” (santuari) — un termine che attiva un registro emotivo, designando una zona intima all’interno della mostra e collegando in modo parasociale la pratica di Buchanan a un’altra figura di riferimento, Issa Samb, in particolare attraverso i loro approcci paralleli a cortili e giardini come rifugi artisticamente e intellettualmente ricchi. Sebbene le associazioni del santuario con il lutto siano intensificate dalla stessa scomparsa di Kouoh, emergono anche altre associazioni: quelle del pellegrinaggio per seguire o visitare il mondo di un altro; del raccoglimento e dell’assemblea estatica che questi spazi ritualizzano; e delle offerte lasciatevi, così come della generosità di un gesto umano semplice, compiuto senza chiedere nulla in cambio.



Nota
1 - Archivi Smithsonian di Arte Americana, carte di Beverly Buchanan, 1912–2017, prevalenza anni 1970–1990, serie 3: Scritti, 1960–circa 2009, scatola 2, fascicolo 23: Dichiarazioni dell’artista e scritti di Beverly Buchanan, circa 1972, 1981–2008, p. 75, “What’s Up?”, 23 settembre 2001.
2 - Archivi Smithsonian di Arte Americana, carte di Beverly Buchanan, 1912–2017, prevalenza anni 1970–1990, serie 3: Scritti, 1960–circa 2009, scatola 2, fascicolo 23: Dichiarazioni dell’artista e scritti di Beverly Buchanan, circa 1972, 1981–2008, p. 1, “Sculpture for Ms. Mary Lou Furcron”.
3 - Archivi Smithsonian di Arte Americana, carte di Beverly Buchanan, 1912–2017, prevalenza anni 1970–1990, serie 3: Scritti, 1960–circa 2009, scatola 2, fascicolo 23: Dichiarazioni dell’artista e scritti di Beverly Buchanan, circa 1972, 1981–2008, p. 77, note senza titolo, 8 ottobre 2008; novembre 2008; Ann Arbor, Michigan, 18 novembre 2008.
4 - Michelle Cliff, Against Granite, in «Heresies: A Feminist Publication on Art and Politics», vol. 2, n. 4, fasc. 8, 1979, p. 49.
5 - Michelle Cliff, Caliban’s Daughter, in «Journal of Caribbean Literatures», vol. 3, n. 3, 2003, pp. 157–160.

Beverly Buchanan
(1940–2015) ha sviluppato una pratica artistica profondamente legata alla memoria dei luoghi, alle architetture marginali e alle storie delle comunità afroamericane del Sud degli Stati Uniti. Cresciuta in South Carolina, l’esperienza delle aree agricole di mezzadria osservate durante l’infanzia alimentò il suo interesse per il rapporto tra geografia, identità e materialità. Dopo una formazione in tecnologia medica, parassitologia e salute pubblica presso il Bennett College e la Columbia University, lavorò nel settore sanitario prima di dedicarsi all’arte nei primi anni Settanta, studiando all’Art Students League con Norman Lewis e trovando sostegno in Romare Bearden. Dalla scultura alla fotografia, dal disegno alla land art, la sua ricerca ha intrecciato memoria personale, rovine vernacolari e paesaggio sociale, interrogando le tracce materiali che modellano l’esperienza collettiva e le storie invisibili del Sud americano.