Stefano Arienti, Sentiero nel giardino, (da Monet), 2025, Galleria Christian Stein.

Ut pictura poësis
di Sergio Risaliti

La Galleria Christian Stein ospita per la terza volta una mostra personale di Stefano Arienti (Asola, 1961). Lo spazio, un bel salone dal sapore neoclassico, ampio, con i soffitti alti e tre grandi finestre, si affaccia su un giardino abitato da alberi slanciati e di una certa età, un’oasi di verde. La natura è separata solo dai vetri, ma la luce e i colori delle stagioni interagiscono con l’interno. Sia nel 2019 che nel 2021 Arienti aveva presentato un corpus di lavori costruito a partire da immagini fotografiche personali rielaborate con diverse tecniche su carte speciali, manipolate e stropicciate. In quelle sue opere il quotidiano e il banale, la presenza umana e quella della ‘civiltà’, si sposava alla natura, in un dialogo tra ‘sordi’. Il gesto artistico consisteva nel trasfigurare e restituire ‘aura’ a queste realtà contaminatesi reciprocamente, ma indifferenti una all’altra. La natura rispetto all’uomo, la civiltà industriale nei confronti dell’ambiente naturale. La poesia dell’arte nel caso di Arienti voleva riscattare tanto la banalità della realtà quanto la fine del rapporto idilliaco con l’aperto, la fine dell’Arcadia, quella regione mitizzata e poi trasformata in categoria poetica o pittoresca cartolina, simbolo di ideale unità armoniosa con la natura. Anche in questo caso cultura alta (letteraria e poetica) e bassa (poster, pubblicità, luoghi comuni) si sovrapponevano. Si trattava allora di connettere il piano basso ed effimero della realtà quotidiana e urbana con quello sublime e seducente della natura, per sottomettere entrambe al potere dell’arte, che produce un terzo livello, una diversa esperienza di conoscenza e di godimento con le sue tecniche e i suoi materiali, il suo linguaggio e la sua feconda ironia. Arienti spostava, cioè, sul piano della contemplazione lo spirito di osservazione e sostituiva l’indagine analitica della realtà con la meraviglia e il piacere visivo-tattile propri al pittorico. Il sottotitolo della seconda mostra era non a caso “Valori luminosi”, in riferimento alla ripresa dei valori tradizionali della pittura, tra cui la luce, il colore-luce, i contrasti di luce e ombra, la trasparenza atmosferica.

In occasione di questa nuova esposizione alla Galleria Christian Stein, l’artista ritorna alle sue origini, presentando una doppia serie di lavori che giocano sul ‘valore tattile’ del colore, l’epifania luminosa dell’immagine, la ‘reinvenzione della pittura”, il rapporto con il paesaggio e la natura. Qui abbiamo l’impressione di ‘abitare’ un luminoso giardino d’inverno, una orangerie, che protegge i colori della pittura e le tracce diafane del disegno. “Lo spazio aulico di Palazzo Cicogna, con la sua vista segreta sul giardino, incornicia una sequenza di quattro tempi sovrapposti: classico, rinascimentale, impressionista e contemporaneo. La storia, come la geografia, mi ha sempre incuriosito” mi ha scritto Arienti, al quale chiedevo aiuto per entrare in sintonia con la sua ispirazione. Come tante altre volte nella sua carriera, ritorna a trattare ‘stagioni’ dell’arte differenti, ma accomunate in ‘natura’ e ‘paesaggio’. In questa circostanza lo fa rimodellando con il pongo l’immagine riprodotta fotograficamente di una serie di dipinti di Monet eseguiti in amene località sempre alla ricerca degli effetti di luce e dei valori cromatici, valori tattili, motori di sensazioni e impulsi retinici. Oli su tela eseguiti dal grande maestro dell’impressionismo en plein aire, a Vétheuil, a Varengeville, a Bordighera. Lì Monet soggiornò per diversi mesi nel 1884, attratto dalla opulenza sontuosa e fastosa dei giardini affacciati sul mare: "Tutto è mirabile, e ogni giorno la campagna è più bella, ed io sono stregato dal paese", scrisse al suo mercante parigino Durand-Ruel. In soli 79 giorni, Monet realizzò ben trentotto tele, posando il cavalletto su Via Romana, nei pressi della Torre dei Mostaccini e del Vallone del Sasso, spingendosi anche nell’entroterra, per catturare le infinite variazioni atmosferiche, del cielo e della vegetazione. Visitando il Giardino Moreno, il luogo gli apparve fantasmagorico, dove “tutte le piante dell’universo sembrano crescervi spontaneamente”. Epoca straordinaria quella dell’Impressionismo, irripetibile per la storia dell’arte e lo spirito umano. Forse un’ultima Arcadia, per questo anche un canto del cigno, una stagione pregna di nostalgia, avvertendo che la relazione tra uomo e natura, linguaggio e mondo all’aperto si stava incrinando e distruggendo fatalmente e definitivamente a causa dell’industrializzazione e del positivismo imperante. Un’arte, in verità, del tempo perduto. Da allora un sentimento di perdita, forse di abbandono, pare aver catturato l’occhio e il cuore del pittore, non più capace di imprigionare la bellezza della natura, di praticare una pittura a contatto con l’aria e i colori della campagna, quelli dei giardini, delle foreste e dei cieli nelle diverse ore del giorno e nelle mutevoli stagioni. Cézanne lo aveva ben compreso quando ripeteva. “Si deve far presto perché tutto sta per scomparire”. Di acqua sotto i ponti della storia dell’arte ne è passata tanta, e non sempre limpida.

Arienti si è inventato un suo metodo di lavoro per cicatrizzare la ferita ed elaborare il lutto, ri-plasmando la copia fotografica di una serie di dipinti coloratissimi come quelli di Monet. Alle pennellate del pittore francese sovrappone liberamente e felicemente tocchi di pongo ricostruendo a suo modo l’icastica, tattile impressione provocata dalla contemplazione del ‘fantasmagorico’ incantesimo di un giardino in fiore, o di uno scorcio di campagna tratteggiato da un filare di pioppi, di un sentiero di pini o di un viottolo incoronato da una cascata di rami in fiore e cigli punteggiati di viole e di rose, di garofani rosseggianti e di pervinca. L’uso del pongo, riporta all’epoca felice e libera dell’infanzia quando ci si esercitava a fare pitto-scultura pasticciando quella docile materia colorata, assaporando il piacere inconscio della percezione tattile, scoprendo la meraviglia del gioco combinatorio e vitale dei colori puri, di quei blocchetti rossi, gialli, azzurri, bianchi e neri. Con la sua pittura al pongo Arienti ritrova a questo modo l’infanzia della pittura, la meraviglia suscitata dalla scoperta della vitalità di un colore, di una luce, di quel tempo felice della visione in cui pare possibile ritrovare una sensazione perduta, di abitare in quel luogo mitico chiamato Arcadia.

Nello spazio della galleria sono stesi a parete anche grandi teli antipolvere sulla cui evanescente superficie appaiono tracce di pittura appena percettibili. Sono “oggetti più simili a grandi arazzi disegnati, che si impaginano spontaneamente nell'architettura della sala” mi ha voluto precisare Arienti. Si tratta di una pittura più disegnata che stesa. Con un tratteggio lieve, fantasmatico, diafano, su cui lavora la luce, con riflessi madreperlacei, come su bava di lumaca. Lavorando sul diaframma tra visibile e non, sperimentando il potenziale irrisolto e imprevedibile della traccia, quell’epifania, intesa come venire alla luce o ritornare alla luce, restituisce alla nostra percezione visiva il disegno. Il disegno, madre di tutte le arti, ovvero l’idea originale del pittore che prima immagina con gli occhi interiori e poi dipinge sulla tela. In questo caso l'artista agisce reinterpretando e reinventando a suo modo la tecnica della sinopia e dello spolvero. Questi arazzi, come li ha definiti Arienti, accolgono gli oggetti realizzati con il pongo, composizioni coloratissime. Come se addosso a una partitura di Bach riuscissimo a stendere i Préludes di Debussy.