Jenny Saville, Study for the Eyes of Argus, 2021 Matita colorata su carta 76 x 57 cm

Jenny Saville

D - *La tua arte si basa sull'esplorazione del corpo umano. Corpi che sperimentano ansia, singolarità, dolore... Ti riconosci nelle tue molteplici rappresentazioni?

Jenny Savile - Penso che lo siamo in ogni nostra azione. Ma mi piace includere tutto, anche mostrare tristezza e violenza. Voglio includere il mondo intero quando faccio arte, non voglio escludere nulla. Il miglior lavoro che ho realizzato è stato grazie al mio istinto. Quando cerco di essere troppo intelligente o troppo analitica, allora non funziona. Non mi faccio troppe domande durante la realizzazione delle opere perché seguo il mio istinto. Esso racchiude una verità che è più grande della verità a cui sto tentando di arrivare attraverso un'analisi accurata. Questa è una lezione che ho imparato molto presto - che c'è qualcosa all'interno di ogni verità; che ci sono verità più grandi della conoscenza. E se c'è una conoscenza, a volte devi lasciarti andare e seguire il tuo istinto per arrivare a quella verità più grande. Se analizzi troppo o critichi troppo qualcosa, è quasi inutile farlo. Non c'è alcun rischio. Mi piace il rischio, il cambiamento e la trasformazione che è possibile nel fare arte, e per me, questo ti porta ad un'arte più grande. È al di là della ragione. Questo è ciò che sto cercando di ottenere... la verità al di là della ragione. Perché se si poteste scriverla o parlarne, non avremmo bisogno di realizzarla.



D - Le figure nei tuoi disegni si sovrappongono con una pluralità di identità. Il tuo volto è presente nella maggior parte dei tuoi ritratti. L'identità è un aspetto importante per te?

Non è proprio la mia identità... Presto il mio corpo a me stessa, questo è il modo in cui l'ho sempre considerato. Ma a volte le persone non sono preparate a mettersi in una posizione così disagevole come quella in cui espongo il mio corpo. Sono stata consapevole - fin da quando ero molto giovane - che un giorno finirò sotto terra, sarò polvere, non sarò più niente. E allora qual è il rischio? Non c'è un rischio reale. In cosa potrei incorrere? Il giudizio? Che io abbia un corpo diverso? Che non ho un corpo sgradevole? Non mi curo di questo. Mi importa usare le mie capacità come persona. Fino a che punto posso spingermi come umano per fare qualcosa che sia interessante? Non si tratta di sapere se è davvero la mia identità o no. Si tratta di un'identità umana. Se guardi i dipinti dei nani di Velázquez, c'è un'identità che attraversa tutta l'umanità. O un grande ritratto di Rembrandt - riguarda tutti. Non sono una donna anziana in un quadro di Rembrandt; non so cosa significhi essere una donna di settant'anni, ma sento l'umanità quando guardo quel quadro, questo è il modo in cui l'ho guardato.

Se il mio corpo può darmi la possibilità di arrivare a qualcosa di interessante, allora uso il mio corpo. Se non posso, allora lavoro con altri. Non si tratta di un autoritratto infinito, è solo che sono disponibile alla possibilità di usare il mio corpo per dire qualcosa o per cogliere l'emozione che sto cercando di raggiungere nel lavoro.

D - Da dove viene il tuo interesse o la fascinazione per i corpi imperfetti, violati, feriti o operati?

Non lo so davvero. È una cosa che ho avuto fin da piccola. Se qualcuno cadeva, volevo vedere cosa era successo. È curiosità; ho semplicemente sviluppato una curiosità per questo. È anche un interesse estetico. Voglio dire, non sono così interessata a una sorta di bellezza superficiale, penso che ci sia una certa umiltà nell'andare sotto la superficie di qualcosa o nell'essere pronti a mostrare la realtà di qualcosa. C'è un'umiltà implicita che scopro nel lavoro che mi piace. Se guardi il teatro greco antico o la tragedia greca, e sei straziato dalle emozioni sul palco e dall'estrema violenza, in qualche modo questo ti infonde un'umiltà su chi sei come essere umano di fronte agli dei, o di fronte all'universo. Sei così piccolo e trascurabile. Penso che questa sia la spinta, questa è l'arte che mi piace in generale - che sia nel cinema o nella musica - è l'arte che si rivolge a quella parte sensibile di noi.



D - Hai parlato prima dell'influenza che gli artisti classici del passato hanno avuto sul tuo lavoro. C'è anche una tradizione carnale nella pittura occidentale. Qual'è la tua opinione sull'arte di altre epoche?

JS - Naturalmente ho sempre guardato all'arte più antica. Soprattutto perché se dipingi la figura quando sei giovane e stai cercando di imparare, stai considerando la pittura figurativa. Così ho imparato guardando Tiziano, Velázquez, Rembrandt, Leonardo, Michelangelo... Sono stata molto fortunata perché avevo uno zio che, da quando avevo otto anni, mi ha davvero insegnato a guardare. Inoltre, se vuoi avere un modello da imitare, scegli un artista veramente grande, perché è la tua misura. Puoi pensare di essere grande nel tempo in cui vivi, ma basta osservare i grandi artisti per essere molto lontano da quel livello. Questo mi è molto familiare, è diventata la spina dorsale del mio modo di lavorare. Per quanto mi sforzi, non ci arriverò mai. È un lungo viaggio per cercare di raggiungere qualcosa del genere. E poi ho provato un interesse che è cambiato o si è spostato... Voglio dire, ho una schiera di artisti intorno a me con cui sono in costante dialogo - artisti come Picasso, Velázquez, Michelangelo, Leonardo, Tiziano, Tintoretto, Rubens - e poi un' altra arte che amo è la scultura greca antica, le dee della fertilità del mondo antico e tutto questo. Dopo aver avuto dei figli, volevo trovare un'arte che fosse simile alla crudezza del parto. Ho vissuto in Sicilia per molto tempo, quindi essere a Palermo circondata da quei miti e dalla storia antica mi ha davvero legata a questo e ai miti del mondo greco antico... dei e dee, il potere della fertilità. Questo si è riversato nel mio lavoro ed è una grande forza trainante ora nel mio lavoro , specialmente nei disegni. Una sorta di impulso creativo. Sono molto più interessata a quale sia la forza vitale di un impulso creativo, o come generare qualcosa, distruggerlo e riportarlo ad inizio. Attraverso quel ciclo, che è fondamentalmente il ciclo della natura, si arriva a una verità più grande, o a un'area più interessante del lavoro. Sono riuscita a farlo solo guardando l'arte antica.



D - Senti di avere un corpo o di essere in un corpo?

JS - Alcuni artisti come Michelangelo lavoravano praticamente con Dio che lavorava suo tramite; stava eseguendo il lavoro di Dio o c'era una sorta di divinità coinvolta in questo. Dio sta scomparendo per la maggior parte di noi, ma quando realizzo un'opera, mi interessa sapere qual'è l'impulso. Quando lavoro nel cuore della notte e cerco di arrivare a qualcosa, sto lavorando con una scommessa sull'esistenza di Dio? Non faccio opere per avere audience. Non faccio opere pensando che le mostrerò ad un pubblico. Ma è sicuramente una forma di comunicazione. Quindi è quasi come se ci fosse una terza persona coinvolta, che sia Dio o altro. Questo mi spinge ad andare oltre nel lavoro, ma non so cosa sia.

D - Ti interessa il mondo esterno?

JS - Il paesaggio è enormemente interessante per me. Soprattutto il mare... Passo ore a guardare l'acqua. Osservo il modo in cui la luce si muove sull'acqua. Mi alzo presto per poter vedere il sole sorgere. Ma non voglio dipingere quadri di paesaggi. Sono interessata a tutto questo. Ma non ho mai voluto dipingerle direttamente, come ho fatto con il corpo. E in realtà, più invecchio, più mi sento legata alla natura, o sono più interessata a raffigurarla. La mia mediazione avviene attraverso il corpo. Tutto il mio lavoro è davvero una sorta di paesaggio; è il paesaggio del corpo, o l'architettura del corpo nella natura, o la natura della carne, o il modo in cui la luce colpisce un corpo.

D - Cos'è l'arte per te? Quale definizione dai di arte?

JS - Direi la capacità di essere liberi. Questo è fondamentale. Credo davvero nell'immaginazione e nell'inventiva. È una combinazione di fattori tra cui l'umiltà e un lavoro molto duro - ci vuole molto tempo per avere un qualsiasi tipo di padronanza - e l'essere abbastanza coraggiosi da correre un rischio. Quando, nel lavoro, ho fatto qualcosa di veramente bello e mi siedo e penso che sia bello, quello è il momento in cui di certo lo rovino, mentre prima lo rifinivo. Ora potrò dire, bene quello era un approccio facile, o un percorso facile per arrivarci. Dove altro si può andare? Se sei preparato a farlo, puoi arrivare in un mondo molto più vasto. Questo richiede molte ore e molti rischi, ma non hai niente da perdere. Perché non provare a ideare qualcosa? Ho imparato attraverso Picasso che l'arte veramente buona sta nella capacità di non sapere come fare qualcosa. Nel tragitto per cercare di articolare qualcosa che non sai come fare, è lì che si trova l'arte. Se conosci il percorso che stai facendo, in un certo senso non ha molto senso fare quel tratto. È nella lotta per cercare di articolare qualcosa che sembra quasi impossibile, ma hai un impulso nella tua iniziativa per farlo, o un istinto, lo segui. Quella lotta per articolarlo è davvero dove puoi trovare qualcosa di interessante e Picasso è l'artista che ho capito che può farlo, quindi è stato davvero una guida per me negli ultimi anni.



D - Guardando avanti ai prossimi mesi a quali progetti stai lavorando?

JS - Ci sono diversi progetti in corso. C'è un progetto entusiasmante a Firenze che si svolgerà nel 2021 con il curatore Sergio Risaliti. Esporrò a Casa Buonarroti, con alcuni dei disegni di Michelangelo che si trovano lì, ed in altri luoghi della città. Ho realizzato disegni in relazione alla scultura della Pietà di Michelangelo all'Opera del Duomo, così come dipinti per altri siti a Firenze. È uno dei progetti più eccitanti della mia vita poter interagire con l'opera di Michelangelo e la città di Firenze. Recentemente, prima della pandemia, sono andata lì e ho parlato con le persone straordinari che sono i conservatori dei disegni di Michelangelo, soprattutto con Cristina Acidini, una delle più grandi esperte del mondo di Michelangelo. Mi sono seduta in una stanza piena di tutti i libri scritti sull'artista ed hanno tirato fuori i suoi disegni da esaminare. È stato molto commovente.

È arricchente imparare da questi studiosi sulla sua vita. Ho letto le sue lettere, o forse una lista della spesa, o una lettera del papa che praticamente implora Michelangelo di tornare a Roma. Il papa scrive di suo pugno - è il papa qui, i papi non vivono per sempre, lo sai, puoi tornare e finire questa commissione! La pressione è la stessa, in qualsiasi epoca si viva.

*Interview With Jenny Saville. Elena Cué